TL’apertura de Il Re Leone è un autentico momento a cinque stelle che ti ricorda perché questo musical governa ancora la savana teatrale. Rinunciando al sentimentalismo del movie del 1994 e all’allegria dei suoi colleghi di Broadway dell’epoca, attinge a delizie più primordiali e potenti. Dal suo primo incantesimo (tradotto come “Tutti salutano il re” – o “Guarda, un leone, oh mio Dio”, a seconda di chi lo chiedi), si costruisce con un canto, un raduno di corpi umani e infine una processione di animali che lascia il palco per entrare tra il pubblico, avvolgendoti in una sorta di rituale coreografico. (Questo è un buon momento per verificare il tuo appuntamento; se non provano sentimenti, potrebbero essere una specie di demone senza gioia.)
Questa sequenza racchiude il meglio dello spettacolo: le marionette mozzafiato, i costumi e il senso della cerimonia della regista Julie Taymor, la musica corale di Lebo M e la coreografia di Garth Fagan. Sembra ancora sorprendente ed elettrico; qualcosa di così puro e sincero che puoi quasi dimenticare le fiaschette d’acqua marchiate in vendita nell’atrio, il fascista e le sfumature monarchiche della storia – e la successione di momenti a tre e quattro stelle che seguono sulla sua scia.
Non che questo spettacolo abbia bisogno di valutazioni a stelle. Il Re Leone è un colosso economico e culturale, con quasi 30 anni di servizio continuo nei cinema di tutto il mondo e più di 8 miliardi di dollari di entrate: la produzione con il maggior incasso di tutti i tempi sullo schermo o sul palco. Misto l’accoglienza critica non ne ha attenuato il ruggito.
Ma lo period un rischio ai suoi tempi: il secondo musical della Disney, diretto dalla regista d’avanguardia Julie Taymor, che insisteva su qualcosa di molto più audace dell’adattamento diretto dallo schermo al palcoscenico di La Bella e la Bestia. Taymor ha sfruttato la sua esperienza nelle tradizioni delle maschere e delle marionette come il bunraku per creare un tributo alle antiche modalità di narrazione. E in un panorama teatrale contemporaneo sempre più digitale, il suo lavoro con le marionette, l’ombra e la luce sembra solo più radicale.
E poi c’è il solid massiccio e multirazziale, guidato da artisti africani e della diaspora, che – ancora una volta, anche adesso, e forse in particolare in Australia – sembra sorprendente. La colonna sonora di ispirazione sudafricana di Lebo M (aumentata dal movie) embrace congolese, sotho, swahili, tswana, xhosa e zulu, e una parte significativa della maggior parte del solid è composta da dal continente africano – inclusi, in questa nuova iterazione australiana, i protagonisti sudafricani Buyi Zama (che torna qui per la terza volta per riprendere il ruolo dello sciamano mandrillo Rafiki) e Aphiwe Nyezi (Simba adulto), insieme a 12 ruoli corali.
Invitare l’Africa sul palco è uno dei migliori cambiamenti apportati da Taymor al testo originale, che – a parte Lebo M – period una confezione bianca originariamente concepita come “Bambi in Africa”, e in seguito descritta dal produttore Don Hahn come “una combinazione Mosè-Amleto-Re Artù incontra Elton John”. Taymor ha anche corretto lo squilibrio di genere del movie, trasformando Rafiki in una figura femminile sangoma (guaritrice), espandendo i ruoli di Nala (che ottiene la sua canzone, Shadowland) e della madre di Simba, Sarabi, e dedicando più tempo sul palco alle donne leoni, con canzoni e sequenze di danza esuberanti.
Altre aggiunte hanno meno successo. Un certo numero di scene e canzoni rallentano lo slancio e sembrano progettate per mascherare i cambiamenti di scena mantenendo felici i bambini (le iene – controverso nel movie d’animazione e non significativamente migliorati sul palco – non sono punti salienti, e non sono convinto che qualcuno abbia bisogno della loro canzone Chow Down). Infinite Night time, cantata da Simba adulto, è musicalmente tiepida e narrativamente confusa, poiché canta di sentirsi abbandonato dal padre morto anche dopo che Mufasa gli aveva chiaramente detto che l’avrebbe guardato dalle stelle. Come molti musical Disney, Il Re Leone sembra eccessivamente lungo: due ore e mezza contro i 90 minuti di durata del movie.
Nel complesso, lo spettacolo sembra un pastiche di stili e toni. Una sequenza di danza delle “iene calde” influenzata dal balletto jazz sembra uscire dal nulla; e le battute usa e getta su Specsavers, Temu e “bin Rooster bánh-mi” si scontrano a disagio contro i tentativi di evocare un’atmosfera mitica.
Tra gli altri dello spettacolo, Emily Nkomo (Nala adulta) e Zumi Baya (Rafiki) sono stati cantanti di spicco nella serata di apertura, Nick Afoa (diplomato a Mufasa dopo aver interpretato Simba nella produzione del 2013) apporta una piacevole gravità alla sua efficiency, Daniel Frederiksen è un divertente Scar da campo (i Guncles si divertono di più) e Aphiwe Nyezi è gioiosamente acrobatico.
Tuttavia, questo è un musical che è più grande della somma delle sue parti; al suo meglio quando l’insieme coreografico, la colonna sonora e l’estetica di Taymor si uniscono per avvolgerci in qualcosa di gioioso ed epico.
