Ta musica dei primi anni del cinema ha giocato un ruolo cruciale nel modo in cui il pubblico – con un pianista o un organista dal vivo che faceva da colonna sonora al movie muto – viveva le storie sullo schermo. Ma fu solo con l’avvento del suono sincronizzato che furono garantiti lo stesso esperienza musicale.
Anche quel momento, ampiamente considerato come il Don Juan del 1926 – un movie altrimenti muto – non period una vera colonna sonora. La Warner Bros. utilizzava il sistema Vitaphone, essenzialmente una registrazione su disco riprodotta con l’immagine. Lo stesso sistema fu utilizzato per Il cantante di jazz del 1927, il primo movie in cui anche le voci erano sincronizzate con l’immagine. La riproduzione di un disco per l’immagine period inaffidabile e non passò molto tempo prima che la musica potesse essere stampata direttamente sulla celluloide del movie stesso e nascesse la colonna sonora vera e propria.
La musica da movie come la conosciamo trovò rapidamente piede nei primi anni ’30. Ciò è dovuto in gran parte ai compositori europei emigrati che portarono con sé un tocco stilistico e una struttura narrativa nati dall’opera, dalla sinfonia e dal music-hall. Seguirono Tin Pan Alley e i cantautori di Broadway, aggiungendosi al ricco filone di musicalità che sarebbe stato il fondamento della musica di Hollywood negli anni a venire. Oggi, quasi un secolo dopo, le basi su cosa sia la colonna sonora di un movie e su come funzioni rimangono relativamente invariate. Ma quali hanno fatto progredire questa forma d’arte e cambiato il modo in cui ascoltiamo i movie?
Alba: una canzone di due umani (1927)
Il grande regista espressionista tedesco FW Murnau ha realizzato questo movie premio Oscar a Hollywood su invito del produttore William Fox. Sebbene sia considerato un movie entrato in ritardo nell’period del cinema muto, grazie soprattutto all’uso delle didascalie al posto dei dialoghi, è stato trattato con effetti sincronizzati e traccia musicale per gentile concessione dell’innovativo sistema Movietone della Fox. Per la prima volta gli elementi sonori di un movie sono stati stampati otticamente direttamente sulla pellicola. Il pubblico avrebbe ascoltato musica registrata di artisti del calibro di Chopin e Gounod.
King Kong (1933)
Sebbene si fosse fatto le ossa in una serie di movie prima di questo, la maggior parte dei quali senza merito, Max Steiner, di origine austriaca, ha perfezionato esattamente il modo in cui una colonna sonora potrebbe funzionare con questo classico per la RKO. Il suo meticoloso utilizzo dell’orchestra per occuparsi di questioni relative alla narrativa musicale, alla struttura, all’ambientazione della scena e alle sfumature emotive ha rappresentato una parte importante dell’impatto e del successo del movie. Infatti, King Kong è stato il fondamento e la struttura su cui è stata costruita tutta la musica sinfonica da movie di Hollywood che seguì, e per certi aspetti lo è ancora.
Il cittadino Kane (1941)
Il debutto alla regia di un lungometraggio di Orson Welles è stata la prima colonna sonora del compositore Bernard Herrmann. Entrambi avevano lavorato in un dramma radiofonico a New York; a Hollywood, quella di Herrmann period una voce singolare, circondato com’period (advert eccezione di artisti del calibro di Alfred Newman) da compositori europei. Per Kane, Herrmann ha allestito il suo stand, evitando la sciropposa tavolozza sinfonica “hollywoodiana” dei suoi colleghi e, con un acuto senso del drammatico, ha creato un mondo sonoro su misura per il movie, enfatizzando l’umore e l’atmosfera.
Giungla alla lavagna (1955)
C’erano alcuni chiodi nella bara per la musica sinfonica tradizionale da movie, e Blackboard Jungle fu il primo. Licenza MGM Rock Around the Clock, registrato da Bill Haley and His Cometscome filo conduttore musicale principale del movie. Faceva da colonna sonora a una storia di adolescenti ribelli in una scuola del centro città e la sua popolarità causava molta ansia ai genitori che temevano la sua influenza (e quella della canzone). La canzone divenne un successo globale e gli studi cinematografici si resero conto di come la musica potesse aiutare a promuovere i loro movie. Presto seguirono le partiture jazz.
Il pianeta proibito (1956)
Anni prima della fondazione del BBC Radiophonic Workshop, la coppia pionieristica Louis e Bebe Barron stava creando suoni ultraterreni per il nastro magnetico. Hollywood aveva flirtato con i suoni elettronici, in particolare il theremin – come usato da artisti del calibro di Dimitri Tiomkin in La cosa da un altro mondo e Herrmann in The Day the Earth Stood Nonetheless (entrambi del 1951). Per il pianeta proibitoTuttavia, i Barron realizzarono la prima colonna sonora completamente elettronica. La sua confusione di effetti e musica ha sorpreso e deliziato il pubblico e ha ispirato una nuova generazione di compositori.
Colazione da Tiffany (1961)
La musica pop e il jazz si erano effettivamente infiltrati nelle colonne sonore dei movie negli anni ’60, e uno dei suoi più grandi sostenitori fu il compositore Henry Mancini. Con Colazione da Tiffany, Mancini ha soddisfatto moltissimo i produttori creando non solo una canzone di successo (Moon River), ma anche una colonna sonora che period totalmente in linea con il suo tempo. Mancini aveva un talento per il “pop sinfonico”, combinando le tradizioni melodiche del passato con i suoni allegri del nuovo. Quelli come Hatari di Mancini! (1962), Sciarada (1963) e La pantera rosa (1963) hanno tutti beneficiato di questo crogiolo musicale.
2001: Odissea nello spazio (1968)
È stato una sorta di scherzo del destino che ci ha regalato una delle colonne sonore cinematografiche più brillanti e di grande impatto di tutti i tempi. Il compositore Alex North ha scritto una colonna sonora originale per il capolavoro di fantascienza di Stanley Kubrick, ma alla positive è stata scartata. Sembra che il regista si fosse affezionato troppo ai brani classici che nel frattempo aveva utilizzato. Devi provare sentimenti per North, ma è difficile immaginare il brillante movie di Kubrick senza il suo potente combine di Ligeti, Richard Strauss, Khachaturian e Johann Strauss II.
Graffiti americani (1973)
Prima di regalarci Star Wars, lo scrittore/regista George Lucas ha avuto un altro successo sotto forma di Graffiti americani. Cattura una notte nella vita di un gruppo di adolescenti californiani mentre ascoltano rock’n’roll, macchine da corsa e riflettono sulla vita e sull’amore. Il movie presenta più di 40 canzoni dell’epoca, ciascuna attentamente posizionata all’interno della narrazione del movie e ascoltata dalle autoradio o nei ristoranti. La popolarità del movie, per non parlare della sua album con colonna sonora in cima alle classificheispirerebbe una nuova ondata di colonne sonore guidate da canzoni.
Star Wars: Una nuova speranza (1977)
Per quanto American Graffiti di Lucas fosse un punto di riferimento per la musica sinfonica da movie, il suo successo di fantascienza del 1977 Star Wars fu una vera e propria bomba. Su consiglio di Steven Spielberg, Lucas si rivolse al compositore John Williams per scrivere la musica di quello che doveva essere un amorevole pastiche di un’epoca passata. Williams si è subito messo la lingua sulla guancia e ha creato un partitura sinfonica vecchio stile con cenni consapevoli a Holst, Walton e Korngold. Alla positive Williams ha fatto innamorare di nuovo Hollywood e il pubblico dell’orchestra sinfonica.
Marea Cremisi (1995)
Hans Zimmer ha rivoluzionato la musica da movie di Hollywood e Crimson Tide è l’apice di quel momento. È stata una delle prime dimostrazioni del tipo di suono enorme, quasi inflessibile che abbiamo imparato a conoscere dal compositore di origine tedesca. La musica elettronica è sempre stata al centro di ciò che Zimmer rappresentava come artista, ma la sua fusione con il peso emotivo del mondo reale dei musicisti orchestrali e del coro (come qui) è qualcosa che ha veramente fatto suo. E con esso è nato il suono della moderna musica da movie di Hollywood.
