FPer prima cosa: l’Oscar per il miglior movie dovrebbe andare a Marty Supreme per l’incredibile lavoro svolto nel portare nuovi occhi sul ping pong. Uno sport in declino che deve essere sostenuto da sovvenzioni, questo movie ha mantenuto in vita da solo il wiff waff anche se a nessuno importa più. Complimenti.
Poi, una confessione. Ho guardato questo movie il giorno in cui è uscito e da allora non l’ho più visto*. Quel giorno period anche il mio compleanno, un grande compleanno, e quella sera quando entrai nel cinema non ero del tutto tranquilla. Ho ricordi vaghi della sezione centrale, il momento tra la vasca da bagno che crolla e l’aereo per il Giappone. Inoltre non mi è piaciuto molto; L’ho trovato irrilevante e un po’ amorale e di conseguenza ho deciso immediatamente di dimenticare le parole di 4 Raws Remix (testo di esempio: “la mia vita è un’opera”).
Non credo che i miei fallimenti personali debbano minare la tesi a favore di dare a questo movie il gong che ovviamente desidera. Se parliamo di cinema (non di campagne di advertising and marketing o di gadget, per quanto accattivanti), allora Josh Safdie ha creato un movie che ha catturato qualcosa del mondo nel 2026. Ambientato negli anni ’50, Marty Supreme avrebbe potuto essere realizzato solo adesso. Se vogliamo celebrare l’arte che riflette il mondo in cui viviamo, allora questa è quella giusta.
Innanzitutto, abbiamo lo stesso Marty Mauser. Un personaggio pieno di “fiducia in se stesso immeritata” (una descrizione azzeccata di Peter Debruge di Selection), Mauser vede il mondo interamente nei termini di ciò che vuole da esso. Nonostante professi una passione totalizzante per il tennis da tavolo, la sua attenzione raramente si concentra su di esso. Invece, passa da un possibile momento di gratificazione a quello successivo, e Mauser persegue i suoi appetiti senza riflettere su come potrebbero influenzare gli altri. Ovviamente sembra l’attuale presidente degli Stati Uniti, ma è anche un po’ tutti noi, soprattutto il tutti noi che si manifesta on-line.
La rapidità e la frequenza con cui Mauser esegue le sue mosse sussultanti crea un senso buffo che ricorda alcuni dei grandi di Hollywood, commedie demenziali come Accadde una notte o I viaggi di Sullivan. Ma è più veloce e più fragile di così, ogni atto arriva con il suo tonfo di cortisolo. La sensazione di stare per avere un arresto cardiaco mentre si guarda un movie è qualcosa che Safdie e suo fratello Benny hanno perfezionato nei loro due capolavori, Good Time e Uncut Gems. Non è piacevole ma è una sensazione reale, una sensazione intensa e, in tutta onestà, per molte persone a volte ricorderà la vita moderna.
Il ritmo e la caratterizzazione non sono le uniche cose che rendono questo movie troppo. È anche l’estetica. La New York degli anni ’50 ricreata è un’epoca con cui molti spettatori penseranno di avere familiarità, tutta abiti eleganti e bar piccoli (allo stesso modo la Londra degli anni ’50, con le sue vibrazioni austere). Ma Safdie, in particolare ponendo l’accento sul solid di attori non-attori e di persone con, come posso dire, fisionomie hollywoodiane non convenzionali, trasforma il familiare nella sua eco inquietante. È un effetto migliorato solo nella cinematografia, dal nominato Darius Khondji, che si appoggia a primi piani intensi come un altro mezzo per sconvolgere e disturbare.
Ancora una volta vi dico che la nostalgia con sfumature da incubo è qualcosa in cui la nostra cultura contemporanea è sempre più intrisa. Allo stesso modo c’è qualcosa di completamente moderno negli elementi anacronistici del movie. Che si tratti delle canzoni di Tears for Fears come sottofondo musicale o di Wally di Mauser e Tyler Okonma che cavalca la frusta (cioè scendere dalla macchina e ballare mentre continua a guidare), c’è un’imposizione culturale su questo dramma storico; è allora, ma rafforzato ormai.
In una recente intervista con il Guardian, Safdie ha affermato che tre periodi della storia recente – l’America del dopoguerra, gli anni ’80 e oggi – rappresentano fasi various in quello che vede come lo sfuggente del sogno americano. Marty è l’incarnazione di questo cambiamento: meno Holden Caulfield o Jim Stark, più Mr Beast o, diamine, Timothée Chalamet. Non possiamo fare a meno di guardare al passato con i nostri occhi contemporanei, ma questa sembra un’imposizione più forte e di conseguenza crea qualcosa di nuovo.
Tutta questa disgiuntura è condensata nel momento finale del movie (avviso spoiler). Marty ritorna dalla sua gita in Giappone giusto in tempo per vedere il figlio appena nato nel reparto maternità, anche se non la madre che trattava in gran parte come un ripensamento. Mentre sta con la faccia premuta contro il vetro, una lacrima appare nei suoi occhi. Period questo un ultimo disperato momento di redenzione, la realizzazione da parte di Marty di ciò che conta veramente? O period semplicemente un’altra dose di dopamina prima di passare a quella successiva? La tradizione porterebbe lo spettatore verso la prima, ma io me ne sono andato convinto che fosse la seconda. Non mi piaceva quella sensazione, ma questo movie me l’ha fatta provare e questo, come Chalamet ha sicuramente sottolineato advert un certo punto del suo interminabile tour promozionale, è cinema.
*Perché non l’ho guardato di nuovo la scorsa settimana? Perché sono in montagna a riferire sulle Paralimpiadi invernali.
