IOSe eri tra i 265 milioni di spettatori che hanno realizzato Squid Sport, la serie Netflix più vista finora, probabilmente sei rimasto mentalmente e uditivamente segnato dalla positive della prima stagione, traumatizzato dal fischio discordante del registratore di un bambino; l’assoluta banalità di un’aula di musica di una scuola elementare reinventata come araldo di una carneficina umana.
Quel suono period opera del compositore Jung Jae-il, la cui carriera è stata definita da questa sorta di strana e inquietante contraddizione; è un maestro nell’arte di sovvertire tutto ciò che è musicalmente familiare, trasformando l’ingenuo, il signorile e l’elegante negli agghiaccianti presagi dell’orrore.
E advert aprile, dopo un tour mondiale che lo ha visto fare il tutto esaurito per le sue esibizioni da solista al Barbican di Londra e alla Carnegie Corridor di New York Metropolis, farà il suo debutto australiano alla Sydney Opera Home, dirigendo un’orchestra di 41 elementi nella colonna sonora che ha composto per il movie in lingua non inglese più premiato con l’Oscar della storia, Parasite.
Jung, 43 anni, diplomato alla Seoul Jazz Academy, è un formidabile polistrumentista, avendo padroneggiato il pianoforte, la chitarra, il basso, la batteria, le percussioni tradizionali coreane e persino la sega musicale. Eppure, per Squid Sport, ha utilizzato uno strumento che non ha mai padroneggiato.
Non period un bambino a suonare il tema di apertura dello spettacolo ma lo stesso Jung. Si aspettava che gli sarebbe stato ordinato di tornare in studio con un registratore professionista.
“Non sono un professionista né un esperto suonatore di flauto”, cube attraverso un interprete. “In realtà abbiamo provato a correggerlo con l’autotuning in seguito. Ma il regista [Hwang Dong-hyuk] ha deciso che il suono corretto non suonava bene.”
Il tema di apertura di Squid Sport che ne risulta è un capolavoro di calcolata imperfezione, una serie di word sottili e penetranti che spesso si trasformano in squittii acuti e involontari. Questi sono i suoni di un dilettante che lotta per respirare, per controllare, che sono diventati una metafora uditiva della disperazione dei concorrenti condannati sullo schermo. Quel senso di estremo disagio period insito nei difetti stessi della registrazione. Mentre la maggior parte delle partiture punta alla perfezione digitale, Jung si affidava alla fallibilità umana dello strumento, una deliberata sovversione della propria abilità tecnica.
Il percorso professionale di Jung non è stato convenzionale: a 15 anni si è unito a un gruppo rock e non ha mai studiato formalmente composizione. La sua pratica creativa è radicata nell’improvvisazione, qualcosa che cube di aver imparato advert accettare mentre componeva la partitura di Parasite.
“Ero davvero disperato”, cube, della sua lotta con il processo di composizione convenzionale mentre creava il suono distintivo di Parasite. “Poi un giorno mi sono seduto davanti al mio pc e ho improvvisato quanto più potevo, e questo ha ottenuto l’okay da [director] Bong Joon Ho… ho pensato, forse questo è ciò che sono destinato a fare. Forse c’è qualcosa che non va in me o nel mio modo di lavorare, ma questa è la mia strada da seguire”.
Se Squid Sport period costruito sui suoni spezzati dell’infanzia, Parasite ha utilizzato la fredda formalità del barocco per illustrare la divisione di classe, fornendo la colonna sonora a una feroce critica della moderna società coreana. Parasite è diventato il primo movie sudcoreano a vincere la Palma d’Oro a Cannes e il primo movie non in lingua inglese a vincere il miglior movie agli Academy Awards. Bong ha anche collezionato gli Oscar per la miglior regia e la migliore sceneggiatura originale.
Jung fu catapultato da eremita in studio a presenza scenica globale.
“Dopo il mio lavoro in Squid Sport e Parasite, la mia musica ha ottenuto un riconoscimento globale – non necessariamente il mio nome, ma sicuramente la mia musica”, cube.
Nel 2025 è uscita la sua terza collaborazione con Bong, la commedia di fantascienza Mickey 17. Qui Jung si spostò verso il grande con la London Symphony Orchestra. Valzer vorticosi, in stile romanticamente classico, aggiungevano un’inquietante patina di eleganza alle scene raffiguranti quella che period essenzialmente una fabbrica di stampa umana.
A dicembre, il suo nuovo pezzo orchestrale, Inferno, ha avuto la sua prima mondiale con la Seoul Philharmonic Orchestra.
“Credo che se avessi frequentato qualsiasi tipo di istituto musicale formale o conservatorio [to learn composition]Non sarei stato in grado di scrivere un pezzo come questo”, cube. “Il fatto che comincio con una tabula rasa o una pagina bianca significa che posso attingere a tutti i tipi di musica che ascolto fin dalla mia infanzia: rap, heavy metallic, rock e musica molto moderna e d’avanguardia. Alla positive, non avere identità definisce molto la mia identità.
Mentre si prepara per il suo prossimo capitolo, che embody un progetto con il regista dei Burning Lee Chang-dong e un nuovo album con la Decca Data, Jung è sempre più concentrato sulla efficiency dal vivo come baluardo contro l’ascesa dell’intelligenza artificiale. Il suo passaggio alla fase è più di un giro di vittoria; è un atto strategico di conservazione. Per lui la sala da concerto è uno degli ultimi bastioni di ciò che è autenticamente umano nella musica.
“Penso che siamo tutti molto all’oscuro”, cube. “L’intelligenza artificiale può essere vista come una minaccia quando si tratta di composizione o creazione musicale. Tenendo presente questo, penso che sia ancora più importante cercare qualcosa di fondamentalmente umano, qualcosa che solo gli esseri umani possono fare.”
Per Jung, quell’elemento fondamentalmente umano si trova proprio nella discordanza che definì la sua ascesa; gli errori improvvisati, rozzi, stridenti che nessuna macchina penserebbe di fare e nessuna messa a punto automatica potrebbe mai migliorare.
Uscendo da dietro lo schermo offre al suo pubblico un’ultima, provocatoria assicurazione: che l’uomo al pianoforte non è un algoritmo ma un essere umano, ancora al lavoro nell’oscurità.
